Diseño y creación en la autogestión artística






¿Qué o quién es un artista hoy? ¿Por qué esa palabra dice tan poco y nada bueno? ¿Cuánto hay de idealización o de estigma sobre ese concepto? La palabra artista goza de una deliciosa imprecisión que a más de uno debilita. Necesitamos etiquetas que especifiquen mejor el contenido de los alimentos, los componentes de nuestra ropa y quizá es momento de renovar la nomencltura que define nuestra actividad.

El ámbito artístico malvive subdivido en rubros que evolucionarían mucho más si habilitaran una mayor fluidez de comunicación e intercambio. Si bien un músico no sabrá ejercer como arquitecto, sin duda, podría proporcionar interesantes saberes sobre el buen uso del ritmo en el espacio y su entendimiento de la escucha proporcionaría una orientación tan significativa como diferente a un escenógrafo. Rara vez pasa. El desempeño de nuestras actividades nos encapsula en circuitos bien delineados y aunque sabemos que el conocimiento nuevo y relevante aparece con la aproximación a otras miradas y procedimientos,  esa bendita circunstancia se habilita poco.

Entre los creadores abunda el lamento, la angustia, la frustración, la sensación de mantener solos una lucha que a nadie le importa. Ese caldo de cultivo, por supuesto, no es sobre el que se hace foco. La visibilidad tiende a subrayar casi en exclusiva lo positivo. “Fue hermoso. Tuvimos la suerte de.  Nos juntamos y. Apareció Z. Nos encontramos con.” La memoria teje un itinerario que solo se detiene en la creatividad del azar y la obscenidad del trabajo queda sepultada bajo el brillo fugaz del reconocimiento. No se habla del tiempo invertido, de los horarios a contramano, de los ensayos posibles gracias a la generosidad de un espacio amigo, no reconocemos el valor de un equipo que labura sin cobrar durante el tiempo que sea preciso. Tampoco se nombra el deseo original, la fuerza indómita que nos llevó a sacar eso adelante. No se nombra porque avergüenza decir que estamos ahí por orgullo, por hambre, porque nadie nos llama para trabajar, porque la única manera que se nos ocurrió de pasar más tiempo con esa persona amada fue escribirle una obra, o porque estamos tan asustados y deprimidos que el tiempo dedicado a la búsqueda de quién sabe es lo único que trae salud. No se mencionan, por supuesto, los fracasos que tuvimos, los otros proyectos que no llegaron a puerto. 
 



Durante el mes de mayo Catalina Lescano impartió en Común Estudio un intenso Laboratorio de diseño y creación en la autogestión artística. Bajo ese enunciado que tanto parece alejarse de la perorata lúdica y bella del quehacer creativo, se despliega un arsenal de saberes socioeconómicos y culturales que permiten aproximarse sin miedo a una batería de recursos y herramientas prácticas desde las que repensar no solo nuestro trabajo, sino también, y quizá más importante aún, nuestro deseo.

El deseo guía toda iniciativa, mueve a quien se involucra en la absurda escritura de un libro, a quien decide abrir un bar, a quien toma fotografías o estrena una obra. El deseo es único, personal e intransferible. Alimentarlo, cuidarlo y defenderlo son tareas agotadoras pero necesarias. El deseo también admite un estudio, un punto de vista, una mejora, una profundización y, por tanto, una posible forma de administración y gestión.

El artista de este paupérrimo siglo XXI se explota a sí mismo. Sin piedad y, lo que es peor, sin consciencia. No solo no sabe poner precio a su trabajo a la hora de venderlo, en ocasiones es incapaz de reconocer su inversión: los recursos a su alcance, sus saberes, redes, vínculos y potenciales.

Quienes trabajamos acompañando procesos de creación – llámese clínica de obra, edición, entrenamiento individual o X – registramos constantemente esa ausencia de registro sobre el yo creador. En el ámbito escénico la formación grupal – elenco, escuela, compañía etc. – dificulta la autonomía como intérprete. Primero el docente y luego el director parecen ostentar la última palabra. Se adquieren infinidad de conocimientos prácticos y nos aproximamos a múltiples metodologías que pocas veces conciliamos. Vivimos escindidos entre la persona que somos y el artista que queremos ser, sin permitirnos ser el poeta que ya, a buen seguro, somos. 

Aun en un contexto tan bendecido por la paradoja como el que ofrece Buenos Aires donde la precariedad que extenúa es la misma que fortalece y donde no faltan oportunidades de formarse con creadores cuyos valores y estéticas se comparten, un contexto donde lo cualitativo y cuantitativo conviven contra el discurso de los popes de la excelencia, y donde lo heterogéneo de las propuestas nos evita el intento de clasificaciones caducas, aun acá y ahora, bajo un gobierno sin política cultural, es mucha la energía que se fuga en el lento y arduo proceso de hacerse cargo del verdadero valor de ese deseo que nos configura. 


¿Quiénes somos? ¿Qué hacemos? ¿Con quiénes? ¿Dónde? ¿Por qué? ¿Cómo? ¿Para qué? Las mismas preguntas que sostienen toda obra, los pilares de un buen guion, son las que dilucidan cualquier proyecto personal o colectivo en el que nos embarquemos. No todas las respuestas son sencillas. Respetar el silencio y la duda es un aprendizaje, pero también lo es aprender a interrogarse y escuchar nuestras dudas replicadas en otros. La duda compartida es un valor.

Necesitamos ampliar una y otra vez la perspectiva sobre nuestra práctica, sobre el desempeño del oficio, sobre nuestros motivos para seguir involucrados en la producción de sentido y no solo en la réplica de significantes.

Durante los encuentros entramos en contacto con este espectro inabarcable de urgencias. Estos y otros muchos temas se hicieron presentes desde prácticas constructivas y se materializaron en proyectos que no podían ser más dispares entre sí. Proyectos que responden a la singularidad de sus autores y que, en apenas cuatro semanas, adquirieron un volumen tangible que los transforma en semillas. Cualquier laboratorio que favorezca esta revolución debe ser celebrado, compartido y recomendado.  





Un domingo en familia






Señala Susana Torres Molina algunas certezas sobre la escritura de Un domingo en familia:
 

“Al comenzar a bajar las imágenes a la materialidad del texto, sin ninguna intención premeditada, tomó forma un procedimiento coral como modo de abordar el desarrollo dramático. Múltiples voces entrelazadas van manifestándose a través de textos fragmentados, breves, de gran condensación conceptual. (…) Por momentos, las declaraciones (…) suman y refuerzan el sentido; en otros, tensionan los puntos de vista, acentúan las fricciones, las contradicciones.”

En el programa, Juan Pablo Gómez, director de la puesta estrenada hace unas semanas en el Cervantes, se detiene también en la singularidad del texto: “Este texto es imposible” pensé al terminar de leer. (…) Por momentos el texto hablaba en un registro documental, casi periodístico. En otros, más que hablar, parecía ladrar.”

El desafío de Torres Molina no es solo formal, su fondo no puede ser más complejo: aproximarse a la lucha armada en la Argentina de la dictadura militar, interrogarse sobre los mecanismos empleados por las organizaciones – de izquierda y derecha – para garantizar su fin último, “caiga quien caiga.” La obra se aproxima al secuestro y desaparición de un líder de la FAR y luego Montoneros. El relato está basado en los acontecimientos conocidos en torno al militante Roberto Quieto, detenido el 28 de diciembre de 1975 cuando, violando las normas de  seguridad impuestas para los militantes, cede a la necesidad de estar con su familia y abandona la clandestinidad durante unas horas para pasar el día en uno de los retiros costeros del río de la Plata. Su detención desata múltiples enfrentamientos internos. Será juzgado en ausencia por el Tribunal Revolucionario de Montoneros siendo degradado y condenado a muerte, pero finalmente son las fuerzas represivas que lo detuvieron quienes lo asesinan. Su cuerpo sigue desaparecido.

¿Cómo poner en escena estos hechos? La dirección de Juan Pablo Gómez compone lo que denominan como “confusionía.” Valga el intento de conceptualización sobre la práctica porque, en efecto, sobre los pilares de la confusión elaboran la partitura rítmica, sensitiva y emocional que estructura la puesta.

El desentendimiento reina entre la polifonía de voces históricas donde los testimonios de personajes reconocidos son matizados o desarticulados por otras voces que representan al pueblo, a la juventud peronista en sus distintas etapas, al militante convencido y al que duda, al líder cansado de serlo y a la autoridad represora cuyo discurso unívoco resulta espeluznantemente cercano. Un elenco compacto y potente - Anabella Bacigalupo, Lautaro Delgado Tymruk, Juan De Rosa, José Mehrez – encarna esta coral de contradicciones. La puesta habita el texto no solo desde el discurso. Existe un dispositivo escénico que los intérpretes despliegan. Un piso de arena, vidrios rotos, micrófonos, objetos de diversa índole que emiten sonidos, la música en vivo de Guillermina Etkin, proyecciones y una iluminación expresionista, son algunos de los recursos elegidos para generar texturas que permitan la representación de lo irrepresentable: el horror, el miedo, el pasado. Ese pasado siempre mal escrito que tantas veces se lee bajo la luz muerta de alguna estrella que hace tiempo no existe. 

Subrayamos como gran acierto la decisión de poner en escena en el teatro oficial una obra donde se manifiesta la imperiosa necesidad de recordar el espanto de la historia reciente que de tantísimos modos hace eco en nuestros días. El arte vuelve a estar en modo político. Cada obra es una reivindicación de lucha, una constatación del interés por mantener las conquistas culturales y, en ocasiones como esta, la temática subraya el compromiso con la memoria colectiva. La vigencia renovada del discurso de la violencia en el país nos obliga a celebrar que el público cuente con un espacio donde reflexionar práctica, física y poéticamente, sobre lo que nunca debería volver a suceder.




Un domingo en familia

Texto: Susana Torres Molina 
Con: Anabella Bacigalupo, Lautaro Delgado Tymruk, Juan De Rosa, José Mehrez
Música en escena: Guillermina Etkin
Producción: Lucero Margulis
Asistencia de dirección: Esteban De Sandi
Música: Guillermina Etkin
Iluminación: Patricio Tejedor
Escenografía: Paola Delgado
Vestuario: Roberta Pesci
Dirección: Juan Pablo Gómez



Teatro Nacional Cervantes
Funciones: De jueves a domingo a las 21 h