Lo Salvaje

All you need is love, mantra letal y caduco que sobrevive impreso en tazas de café y baratijas de decoración, funcionó durante décadas como salvoconducto para cumplir la misión imposible de estar vivo cuando todo carece de sentido. El amor, último reducto de la especie, primo hermano de la esperanza, otra maldición divina. 

Lo Salvaje, texto de la peruana Mariana Silva Yrigoyen, reflexiona sobre la catástrofe natural que supone la vida en pareja. Disecciona el banal itinerario del crucero del amor de la mano de Sofía, en cuyos recuerdos palpita lo inevitable de toda tragedia.  

La obra, escrita para participar del III Festival Internacional de Dramaturgia en 2018 dedicado a los Estados Emocionales, explora con solvencia el lema disparador. Lo Salvaje es un intento de reconstrucción parcial, fragmentaria y subjetiva de ese breve tiempo identificado como relación, donde dos personas deciden malvivir juntas compartiendo lo mejor y lo peor de cada día. Sofía conoce a Daniel y contrariando su instinto de defensa emocional, ese que logró convertirla en periodista y fijar en su horizonte de expectativas el éxito profesional y económico, se enamora. Daniel es uno de tantos cineastas que sueña con su gran película mientras graba eventos y edita bodas ajenas. Su talón de aquiles, es Clementina, hija idílica que se convierte en el broche del conflicto. En poco tiempo, la vida en familia es un hecho y el deseo de que la familia crezca aparece. Se aborda así otro gran subtema: la maternidad como conquista de una mujer que aspira a tener todo, la dificultad de ritmar su deseo con la biología y con su pareja. La autora ubica ahí la primera brecha significativa para los personajes. Nada vuelve a ser lo mismo y todo lo que hasta ese entonces parecía soportable, se convierte en una trampa.  

Lo Salvaje metaforiza la hecatombe de una relación evocando el inquietante paisaje de la selva de Iquitos. Alcanza escuchar ese nombre en boca de Daniel para sembrar el peligro. Iquitos fue el lugar donde alguna vez reconoció la felicidad, es decir, el lugar idealizado al que sueña volver. El imaginario amazónico, la certeza geográfica de Iquitos, funciona como un guiño cómplice para cierto público, los amantes de Herzog inevitablemente sabrán que en la tierra de los sueños imposibles, la tierra de Fitzcarraldo, nada es lo que parece y todo, hasta lo más sencillo, puede convertirse en un problema. Esa asociación implícita que nos permitimos agiliza el avance de un relato que se precipita hacia el vacío. La puesta en escena minimalista delimita el espacio con unas bandas lumínicas cuyos colores acompasan la temperatura de la acción. A medida que el relato avanza las luces se convierten en un llamado de atención, un SOS que emite la protagonista atrapada en la selva de sus emociones, ese paraje recóndito que remite a la pesadilla amazónica donde el avión que debería haberlos dejado en la encrucijada de la felicidad, finalmente, se estrella.  

La dirección de Nacho Ciatti apuesta por el trabajo actoral y logra sutiles distinciones de intensidad y planos donde se articulan los distintos tiempos del recuerdo, el presente del relato y el limbo del dolor donde la protagonista permanece atrapada. Las cargas de intensidad dramática abordadas por Laila Duschatzky, se compensan con el humor y la sobriedad de Francisco Donovan y, sobre todo, con la liviandad y frescura que aporta la presencia de Martina Iglesias. 

La escenografía y la iluminación de Santiago Badillo junto al diseño sonoro de Patricia Casares, son hallazgos sobre cuya exploración el texto se (des)acomoda con acierto. Ciatti logra el difícil equilibrio de la contundencia al combinar dramaturgia, actuaciones y puesta, una ambición tan perseguida como infrecuente.

Lo Salvaje

Texto: Mariana Silva Yrigoyen
Actúan: Francisco Donovan, Laila Duschatzky, Martina Iglesias
Vestuario: Gisela Mancuso
Escenografía e iluminación: Santiago Badillo
Diseño sonoro y música: Patricia Casares
Fotografía: Nacho Iasparra, Francisco Iurcocvich
Asistencia de dirección: Florencia Zothner Ciatti
Producción: Fabio Petrucci
Co-producción: Espacio Callejón, Festival Internacional De Dramaturgia, Teatro La Plaza, Sala De Parto, Plataforma Fluorescente
Dirección: Nacho Ciatti

Espacio Callejón
Humahuaca 3759

ÚLTIMA FUNCIÓN: Sábado 30 / 3 - 18:00h

Yo escribo. Vos dibujás

¿La vida funciona por azar o es sistemática? ¿Y la obra? ¿Podemos apaciguar nuestra violenta sed de sentido? ¿Qué hacemos, cuánto hacemos para descifrar ese mensaje que el día a día emite? ¿Puede el arte modificar el modo en que manejamos nuestro escaso instrumental quirúrgico a la hora de interpretar lo que nos rodea? Yo escribo. Vos dibujás, la nueva obra de Federico León se presenta en el Teatro Cervantes como una poética práctica alrededor de estos y otros interrogantes. De hecho, los interrogantes son uno de los motores principales de la acción, una acción que en todo momento se presenta como múltiple, dispersa, equívoca e inconclusa. La propuesta transforma a público e intérpretes en una masa heterogénea obligada a convivir domesticando los convencionalismos asumidos sobre el hecho escénico.  Quienes conozcan la trayectoria de León y estén familiarizados con su búsqueda de un más allá de la escena y su capacidad para reflexionar sobre los ingredientes que la constituyen, cuentan con la dudosa ventaja de la gran expectativa, factor que el creador no deja de considerar cuando una y otra vez se pone en el lugar del público para preguntar: “¿Va a pasar? ¿Ya pasó? ¿No va a pasar nunca?”

Yo escribo. Vos dibujás toma el escenario de la sala María Guerrero y lo desacraliza convirtiéndolo en zona de tránsito y salón de juegos. No hay necesidad de revelar lo que sucede, la experiencia será única en la medida en que cada espectador logre ejercer y disfrutar su libre albedrío. No  hay punto de vista guiado, ni orden aparente. La acción poética se multiplica a nuestro alrededor y se nos proporciona cierta información que revela una posible conexión interna. Ahí, ante nuestros ojos, los mismos que creen cumplir con excelencia su función al observar cada detalle buscando quién sabe, sucede mucho más de lo que somos capaces de percibir. Se nos advierte una y otra vez sobre eso. Sin embargo, la caza del sentido no desaparece. El rumor de esa búsqueda se suma al ruido in crescendo que toma el espacio. Un espacio que ya es otro, cualquier otro, un espacio que no nos deja parar, nos incomoda y obliga a trasladarnos. Somos muchos. Tantos que aparece la duda sobre quién es quién. El propio Federico León se encuentra entre el público observando el funcionamiento de este dispositivo efímero.

La obra se constituye como un díptico donde primero se nos presentan los ingredientes y a continuación se nos facilita una posible receta para cocinar algo que nuestras mentes y cuerpos asimilen. En la segunda parte todo cambia y público e intérpretes quedan tranquilizadoramente diferenciados. Eso percibimos y en eso creemos. Pero la ficción hace lo suyo y obvia nuestra expectativa. En esta función una mujer en primera fila levanta la mano y se convierte en personaje. La naturaleza de la escena vibra. Los actores se sobreponen a un quiebre que quizá no todo el público registra. La señora, desde luego, no se considera personaje mientras habla. Tiene una duda y la comparte. Busca, como todos, una imposible respuesta. No habla de la obra, sino de la vida. 

Cuando reflexionamos sobre la imposibilidad de repetir una función hablamos también de esto: el público cambia y define el curso de los acontecimientos. Su presencia influye y determina el éxito de cada intento, la continuidad de una ficción posible. Alcanza con que suene un celular o alguien se levante en la platea para que todo vuele por los aires. El teatro es así de frágil. También la vida.

Una astróloga sin nombre, interpretada por Claudia Schijman, trata de encauzar el turbulento río de pensamiento que se le presupone, se le confía, al público. La participación imprevista de una mujer en esta función bien puede considerarse una prueba del éxito de esa hipótesis. El discurso de la astróloga resignifica el aparente caos del hecho escénico, ese microuniverso, y establece un  paralelismo con la vida, ese gran macro sobre el que nunca sabremos suficiente. Somos yonkis del sentido final, necesitamos desesperadamente que las piezas de nuestra vida encajen, que el relato se organice, que la forma se separe del fondo y tenga nombre. Corremos el riesgo de no abandonar nunca ese estado infantil donde los cuentos comienzan y terminan otorgándonos el dudoso privilegio de la coherencia absoluta. Yo escribo. Vos dibujás nos invita a ejercitar la incertidumbre y a enfrentarnos con el monstruo de nuestra ansiedad. En la obra y en la vida.

Yo escribo. Vos dibujás 

La astróloga Claudia Schijman

El patovica hippie Felipe Boucau

Intérpretes Ariel Bar-On, Ulises Bercovich, Pablo Brignoccoli, Pablo Cernadas, Agustín Chenaut, Luciano Ciruzzi, Vicente Correa, Sergio Faya, Nahuel Galarce, Rubén Galarce, Horacio Games, Ariel Guanuco, Stella Maris Isoldi, Leandro Orellano, Ariel Ragusa, Julio Rolleri, Franco Rossi, Marcelo Silva, María Luz Silva, Emanuel Torres, Dalmiro Villanueva, Leonardo Vitale, David Zabotinsky, Santiago Zarba

Por ZELAYA

Casting María Laura Berch, Mariana Berch

Fotografía Ignacio Iasparra

Realización de muñeco Cecilia Polidoro

Asistencia de iluminación Paul Pregliasco y Martín Fernández Paponi

Asistencia de escenografía Valentina Remenik

Asistencia de producción y utilería Tamara Belenky

Asistencia de dirección Juan Francisco Reato

Producción ejecutiva Melisa Santoro Aguirre

Coordinación de producción Rodrigo Manuel Pérez

Producción TNA – TC Silvia Oleksikiw

Jefe de escenario Nery Mucci, Edgardo Nicolaci, Julieta Milea

Asistencia de dirección TNA – TC Matías López Stordeur, Esteban de Sandi

Música original y sonido Diego Vainer

Iluminación David Seldes

Vestuario Paola Delgado

Escenografía Ariel Vaccaro

Dirección Federico León

ÚLTIMAS FUNCIONES: DOMINGO 17 / 3 a las 19.15 y las 21.30h.

TEATRO NACIONAL CERVANTES

Biosonora

¿Cuáles son los factores fundamentales que intervienen en la (de)formación artística? ¿En qué elegimos detenemos al aproximarnos a la obra de un creador? ¿Y si el creador es músico? ¿Qué fuentes e influencias rescatamos cuando se trata de presentar ante el público la suma de azares que nos trajeron hasta acá?

BIOSONORA, ciclo gestionado por Palta Produce, se presenta como un espacio de investigación y encuentro sobre el que articular posibles respuestas, nunca concluyentes, sobre estas y otras  inquietudes. Los músicos seleccionados disponen de un ensayo previo donde se conocen, intercambian historia de vida, anécdotas creativas, composiciones propias y ajenas… Establecen así el hilo conductor de la fecha que compartirán días después, un unplugged donde renuevan votos e inquietudes.

En esta segunda edición, las invitadas fueron Ivanna Rud (a.k.a. Chipi Chipi) y Virginia Lev. El encuentro tuvo en este caso un interés añadido ya que ambas artistas se obligaron a reflexionar y encontrar sus antecedentes entre mujeres admiradas, lo que como reconocieron, no fue fácil. En el ámbito musical también los nombres de mujer, sus trayectorias y conquistas, son ninguneados a menudo. No es que no estén, es que siempre es un poco más difícil encontrarlas, “hay que saber buscar”, afirmaba Lev anoche. La propuesta de BIOSONORA inaugura un lugar para la reflexión práctica y compartida. No se trata solo del creador como dueño de un talento cultivado, sino del músico como punto de encuentro, como caja de infinita resonancia dentro del estilo o poética elegidos. 

Al citar a dos intérpretes que quizá se conocen de lejos pero nunca tocaron juntos y facilitarles una consigna desde la que observar su trabajo como si fuera ajeno, el ciclo habilita un intercambio que trasciende la fecha compartida con el público. El mejor modo de reconocerse siempre es el reflejo ajeno, eso que vemos (o escuchamos) en otro y que misteriosamente remite a nuestra propia búsqueda, a esa intimidad donde todo lucha por convertirse en algo capaz de generar mundo.

BIOSONORA es el tercer ciclo gestionado por Palta Produce. Entre sus iniciativas anteriores destacan Ciclotimia, donde poetas y músicos eran citados para profundizar sobre un tema distinto en cada volumen, y Variaciones, vigente y ya consagrado como cita donde actores invitados presentan sus singulares covers de escenas cinematográficas.

Mientras el vaciamiento cultural se impone como política, la juventud de Buenos Aires prosigue su singular e incansable búsqueda de identidad prestando atención a la urgencia colectiva de proporcionar excusas y espacios donde el encuentro resulte no solo una forma de resistencia, sino también una herramienta que posibilite la continuidad y el perfeccionamiento de sus vocaciones entendidas, cada vez más, como oficios de tradición imprescindible.  

DISCO de Ivanna Rud 

Virginia Lev en Los novios   


Próxima fecha de BIOSONORA: viernes 3 de mayo en Espacio 33. 

Músicos: Federico Justo y Nicolás Blum